Encore un artiste qu’il est de bon ton d’encenser, mais quant vient le moment de l’écouter… L’album Song Cycle est une excellente introduction à l’oeuvre du fantasque Van Dyke Parks, et à ses carences souvent passées sous silence par la critique béate. Mélangeant de façon certes extrêmement originale des influences éparses (Folklore américain,ragtime, Jazz new orleans, calypso …) , Van Dyke dynamite ses références au sein de compositions d’une richesse et d’une puissance effectivement impressionnantes, mais confinant trop souvent à l’écoeurement. Comptines denses et acides, sortes de bandes-son de cartoons allumés incroyablement orchestrées et polluées par une voix de canard mégaphonée: l’esbrouffe et le tropisme ne sont jamais loin, alors que le génie affleure lui aussi par intermittence, voir le monstrueux “the all Golden” et son incroyable intro, chargée de tension et de mystère. La version piano ci-dessous permet d’apprécier l’incroyable richesse harmonique de cette pièce de choix:
 

Dans son ensemble, Song cycle, disque-collage dispersé pose un immense problème: trop peu de vraies chansons, pas assez de structures auxquelles se rattacher. On a rien contre l’expérimentation, les changements d’ambiance et globalement le songwriting ambitieux, mais ici le résultat manque d’un minimum de lisibilité: même l’auditeur le mieux disposé se perdra à coup sûr dans les méandres des symphonies désaxées de Van Dyke Parks, sans toujours oser l’avouer de peur de passer pour un imbécile…

Producteur avant tout, Dyke ne réussit que trop rarement à lier de façon cohérente des idées parfois fabuleuses. C’est probablement lorsqu’il travaille en association que son incroyable talent, canalisé et challengé comme il se doit, atteint sa pleine mesure (Smile de Brian Wilson, bien que surestimé, en est une assez bonne illustration). Song Cycle, disque très atypique, foncièrement original et par moments prodigieux, n’arrive paradoxalement pas à dépasser le cap de l’anecdotique tant son écoute globale est douloureuse; prétendre le contraire releverait du snobisme le plus éhonté. Impressionnant, mais tristement imbuvable.
 
Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/song%20cycle%20van%20dyke%20parks
 

Amusant de voir que ce sont les ex-Easybeat Harry Vanda et George Young, par ailleurs producteurs historiques d’AC/DC, qui ont lancé en 1978 ce projet. Le reste de cet album (et disons le franchement de la carrière du groupe) est insipide: new wave sautillante et tartignole passablement faisandée, on est loin par exemple du superbe spleen de Joy Division, loin également du minimalisme inspiré et marquant de ce “Walking in the rain”. C’est peu dire qu’accouchée dans un tel environnement, cette pépite one shot improbable n’en revêt que plus de valeur !

Pour découvrir: http://www.youtube.com/watch?v=cJFB0roVxaM

 
Une fois n’est pas coutume, nous parlons dans Emotions Electriques d’une sortie récente et en l’espèce du dernier skeud de Radiohead. Opus attendu et plutôt mal accueilli, The king of limbs, essuie des critiques incroyablement rudes depuis sa sortie: une situation intéressante dans le cas d’un groupe aussi respecté.

Comme pour In rainbow mais avec moins de finesse, sa sortie fut appuyée par un buzz aussi soutenu (distribution web exclusive dans un premier temps, publication fractionnée avec 2 titres d’appoints dévoilés plusieurs semaines après la sortie ) qu’abscons (mention fut faite d’un mystérieux newspaper album…). Musicalement, que penser de ce disque ? Eh bien d’abord, constater que la tonalité générale, qui prolonge celle d‘In Rainbow d’une part, celle de The Eraser de Yorke d’autre part, ne change pas: instruments et voix très lourdement traités (batteries chargées d’echo, piano vaporeux), utilisés davantage pour leur texture et dans des schémas répétitifs (séquenceur) que dans une optique harmonique… Esprit drum n’ bass et electro évident. 3 titres sortent du lot: “Codex”, son apport mélodique et son clavier onirique, “give up the ghost”, répit acoustique toute en accords ouverts sublimé par ses couches vocales hantées qui s’empilent, puis “separator”, voyage au centre de la terre lynchien, tendu et dantesque. Qu’on ne s’y trompe pas, il s’agit de grands morceaux qui rivalisent sans aucun problème avec le meilleur d’in rainbow et the Eraser; apprécier sur cette vidéo la puissance émouvante du groupe:
 

Le reste du disque est correct mais très anecdotique, reprenant les recettes des disques pré-cités sans y apporter suffisamment de matière nouvelle pour créer l’intérêt. Un mot sur ces deux disques: intéressants, ils ne sont pourtant pas exempts de longueurs… mais avaient l’avantage de la primeur. The king of limbs pâtit de façon disproportionnée et injuste de cette ordonnancement. La comparaison est une réflexe normal et la déception compréhensible car le groupe crée des attentes, mais il est ridicule de s’acharner de la sorte sur le manque d’originalité (avéré par ailleurs) du disque, stigmatisant ce qui n’est de fait qu’une caractéristique, et ne préjuge pas automatiquement de son intérêt. Parralèlement, les coquins d’observateurs oublient trop souvent de signaler que ce dernier album vaut à peu de choses près In rainbow pour ce qui est de la qualité d’ensemble…

Il faut impérativement prendre de la hauteur. Radiohead reste une des derniers groupes d’envergure, capable de revirements risqués et admirablement transformés, à même de proposer une oeuvre dont les influences ne sont pas plaquées mais superbement agrégées puis dépassées, à l’originalité permanente. 99% des groupes récents n’atteindront jamais ce résultat dans ce que l’on appellera faute de mieux leurs sommets. Alors ménageons le groupe (quand bien même il semble devenir celui d’un seul homme) lorsqu’il se “contente” de rester dans un style et ne délivre “que” trois morceaux d’exception qui enterrent à eux seuls bien des discographies.
 

Gordon Lightfoot, malgré ses mauvais airs de Lee Van Cleef (à moins que ce ne soit Ginger Baker ?) et un paquet de morceaux dispensables, est un artiste attachant. Correctement compilé, le Canadien est même magnifique, juger sur pièce avec ce High Five parfait proposé par Rhino: Cajun de charme sur “Sundown” (on pense, comment dire -Fortement- au “Water of love” de Dire Straits) harmonies irradiantes Sur “If you Could read my mind”, dépouillement trouble sur la très belle “Beautiful”, folk en grande pompe sur “Wreck of the Edmund Fitzgerald” et “Carefree Highway”: avec ce quinté, on frôle une certaine idée de la perfection. Le meilleur de ce que Lightfoot peut offrir est excellement approché avec ces titres tirés de ses albums post-60′s, très différents et splendides: Rhino nous propose une synthèse parfaite, présentant de façon ultra-sélective et honnête le folk en accords souvent mineurs de l’homme, sans chercher à en éluder les limites (emphase parfois quasi théâtrale sur les vocaux et sophistiquation progressive des arrangements tendant vers le trop plein, en gros). Musicalement, le temps qui passe n’altère aucunement cette oeuvre qui ne vieillira probablement jamais: histoires d’amours impossibles desuètes et charmantes qui sonnent à la fois noble et aéré, le tout est proprement ravissant. Dommage que cette galette soit si courte, mais le résultat en est un disque dont rien n’est a jeter !

A ce propos, on aurait pu parler des compilations sur plusieurs CD comme Songbook reprenant la globalité de l’oeuvre de Lightfoot. Certes exhaustives, elles sont paradoxalement assez cruelles, faisant la part belle aux grattouillages folk interminables et finalement très anecdotiques dont Lightfoot emplissait la plupart de ses albums. Entre ceux-ci slaloment de trop rares morceaux du calibre de ceux présentés ci-dessus. Bien trop longues et insistant sur les limites d’un artiste par ailleurs capable de chef-d’oeuvres, ces sommes appuient inutilement là ou ça fait mal; particulièrement injuste, car pour qui a le temps de trier, l’oeuvre de Gordon le pied tendre réserve de très beaux moments que cette Compilation flamboyante introduit, elle, de façon idéale.

Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/five%20lightfoot

Charles Manson et ses excités qui se Tatent au son d’ “Helter Skelter” les Fabs qui découvrent la méditation améliorée avec Maharishi Mahesh Yogi… Toutes ces anecdotes millésimées, il est préférable de les évacuer pour appréhender correctement cet album complexe. Le folklore qui entourait les Quatre Fantastiques à cette époque semble avoir largement occulté les qualités de ce disque qui vaut finalement mieux que sa réputation: glorieusement imparfait, bariolé et étonnamment moderne, c’est un passage important pour le groupe qui recèle quelques perles.

Vrai, l’ambiance délétère voit naître des aspirations de plus en plus hétéroclites. Le groupe devient multi-directionnel, au gré des marottes du moment de chacun de ses membres: c’est davantage le disque de 4 individualités que celui d’un groupe qui est en gestation, une auberge espanole mal fondée, et dont les murs tremblent lorsque le groupe essaie de se retrouver. “Helter Skelter”, “birthday”, montrent que le groupe a lorgné sur la concurrence et cherche à sonner lourd et criard… Les aspirations psychédéliques de Revolver ont évolué vers des expérimentations quasi dadaïste (“Revolution 9″) qui laissent perplexe, les comptines regressives et agaçantes (“Obla-di Obla-da”) prolifèrent, accolées à hommages musicaux populaires très appuyés qui dépassent rarement l’exercice de style (“Back in USSR”, “Rocky Rackoon”). Les intermèdes simplifiés aux arrangements acides et crispants (“Wild Honey Pie”, “why don’t we do it in the road”, “don’t pass me by”…) grenouillent dans ce curieux brouet. Clapton passait par là, et en profite pour plomber l’aberrant “While my Guitar Gently wheeps”, jam lancinante aiguillonée par un solo totalement béat: impression de laisser-aller total, auto-complaisance patente face à des pièces musicales souvent inabouties, chargées, et parfois totalement anecdotiques.

Mais à côté de cela, l’album atteint des sommets de raffinement épuré et de créativité moderniste. Le fantastique “Dear Prudence” nous transporte: vocaux aigre-doux, arpèges perlés et radieux pour un climax crépusculaire: beau, pur et atemporel, ce morceau figure parmi les grands chef d’oeuvres de la pop music. “Happiness is a warm gun” sort également du lot, collage musical arty et totalement pertinent: la Bande originale d’un film encore à réaliser, sauf que la musique est ici tellement évocatrice que parler de film musical conviendrait davantage pour décrire cette oeuvre panoramique. “Black Bird”, “Sexy Sadie” et “Julia” rayonnent dans leur dépouillement acoustique. “Every body’s got something to hide”, superbement repris par les Feelies, éclabousse et surprend avec son tempo échevelé: Big Star prendrait note de la recette. Que les instantanés format pop des débuts sont loins…
 

D’ou vient le charme de ce disque si inégal, pourquoi s’y repenche-t-on avec délectation malgré ses vraies longueurs ? Peut-être parce qu’en musique tout n’est pas affaire de comptabilité, et que cet album Blanc nous présente un visage nouveau qui touche; désabusée, vengeresse ou endolorie, l’écriture s’est rapprochée de la contrition qui prévaut désormais, loin du parangon de droiture pop lissée qu’incarnait le groupe. Cet album est escarpé là ou la plupart des disques des Beatles visent la fluidité des contours. C’est la jouissance des traits qui bavent face à la ligne claire, la crise d’adolescence tardive, tourmentée et ingrate mais parfois géniale, qui marque finalement au moins autant dans ses fulgurances que le reste d’une existence artistique légèrement ennuyeuse de perfection.

Un son live aussi fiévreux que bidonné (avec cri d’un public survolté venu d’on ne sait ou), la voix de tigresse de prisunic de Fabienne Shine, des guitares teigneuses qui visent le mur de son concocté par Steve jones pour le “I Love Rock’n Roll” de Joan Jett: tous cela coïncide superbement le temps de cet instantané bouillonnant et roboratif. Que demande le peuple ?!!

 Dans les années 80, nombreux sont les émules de Van Halen qui, ne comprenant rien à la leçon du maître, se ruèrent pour grossir les rangs d’une musique aberrante, consacrant la guitare pour la guitare, pleine de technique et vide de propos musical. Ce courant devint une espèce de mode et déteignit sur nombre de groupes. Aujourd’hui les tares de cette triste aventure sont clairement identifiées: mauvais goût dominant, prétentions symphoniques parfois risibles, approche incroyablement régressive et limitée, ces types ne méritaient aucune pitié. Il en va autrement de Steve Vai, qui le temps d’un album de bricolage guitaristique foutraque, sous haute influence Zappaienne, fut le temps d’un album une exception quasi-unique au bilan précédement exposé.
 
Encore très proche de son mentor franck Zappa dont il venait de quitter le groupe, Vai enregistre Flex-Able dans le modeste studio qu’il s’est construit avec ses économies, dans des conditions très rudimentaires. Le résultat est totalement artisanal, rempli d’effet sonores intempestifs, de guitares au son peu flatteur comme Vai semblait les aimer à l’époque et de batteries complètement étouffées: cela sonne vraiment comme des démos et c’est le charme de ce disque sympathiquement bricolé et étonnamment fréquentable.
 
Musicalement cet album est jalonné d’ovnis musicaux dont ce ‘Salamander in the sun’, impeccable et ravissante miniature aux accents quasi symphoniques particulièrement mis en valeur par cette version orchestrale (très pompeuse par ailleurs).
 

Parmi les bons moments de ce disque, le doux “lovers are crazy”, la montagne russe guitaristique “the attitude song”, le vaporeux “call it sleep”, la poppy “boy/girl song”. Ce disque est étrange, comme chez Zappa la guitare est très présente, sinueuse, généreuse et parfois assommante: mais elle n’est jamais clinquante. La patte du maître moustachu se ressent aussi au niveau des compositions, alambiquées et foisonnantes au niveau harmonique, mais elle est ici combinée à un esprit parfois pop, parfois hard assez bancal, et à des arrangements très cheap (les choeurs, cuivres, synthés, son d’ensemble). Tout cela est très anecdotique, mais pour tout dire ce disque est surprenant: rustique et très expérimental, parfois ravissant au niveau des compositions voire impressionnant de maîtrise, on se demande vraiment à qui s’adresse cette musique naïve, barrée et jamais raccoleuse. Ce disque-laboratoire total est une curiosité assez charmante.
 
Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/flex-able

Un mot sur ce batteur hors-norme: si aujourd’hui il officie en tant que musicien de studio et accompagnateur de divers tâcherons pop, la période 1978-1980 l’a vu interpréter avec Zappa ce qui ressemble fort aux plus belles parties de batterie jamais écrites, tous genres confondus: écouter pour s’en convaincre “pick me I’m clean” sur Tinsel town rebellion, ou “Don’t eat the yellow snow” sur you can’t do that on stage anymore 1… la batterie chante, c’est simplement fabuleux.
 
Cet album réserve d’autres bons moments comme ce “keep it greasy” dégoupillé à toute vitesse, une version de “chunga’s revenge” lourde comme un soir d’orage et un “Andy” surchauffé. Pour le reste rien d’incroyable pour les connaisseurs, surtout que la période est particulièrement bien documentée avec de nombreuses bandes pirates en circulation. Pour les néophytes en revanche, c’est un album qui peut permettre de découvrir sans trop de douleur Zappa, car le répertoire abordé, très parodique, présente des références tout-à-fait accessibles : l’iconoclaste “the meek shall inherit nothing”, le pastiche reggae “mudd club”, les simili-hard “I’m so cute” et “broken hearts are for assholes” et bien d’autres. Les morceaux sont compacts, le son de très bonne qualité, assez gras dans l’ensemble par rapport aux lives de la fin des années 70. Les textes sont souvent tordants, le niveau musical d’ensemble assez incroyables…

Cela vaut vraiment la peine de se faire violence car Zappa ne se laisse pas découvrir facilement, les sonorités tout de même un peu datées du disque (synthétiseurs, guitares même s’il a fait bien pire) et les longs solos parfois vraiment brouillons (le péché mignon du moustachu) pouvant clairement rebuter le nouveau-venu. Mais des morceaux comme “Andy”, ambitieux, virtuoses tout en restant ludiques procurent un plaisir intelligent et symphonique assez unique, introuvable ailleurs que dans le répertoire du grand Zappa.

 
La preuve que le folk n’est pas fatalement voué à ennuyer au bout de 2 morceaux. Fred Neil est un excellent artisan du genre, dont on parle bien peu en comparaison de Johnny Cash ou Nick Drake; pourtant sa carrière comporte d’excellents moments. L’homme a débuté avec une musique pétaradante compilée dans l’album rare single collection :doo wop, rock’n roll (en gros tout ce qui marchait à l’époque… pas folle la guêpe): pas pire mais pas mieux qu’un autre. Après cela et sans complètement abandonner cette démarche, notre homme décide de régulièrement plonger sa musique dans une mélancolie confuse et soyeuse: c’est cette tendance musicale que la copieuse compilation the many sides of fred neil documente très largement et c’est assez splendide. “The dolphins”, “faretheweel”, “Everybody’s talking” ressortent mais chaque morceau vaut le détour. La musique a ici beaucoup d’âme (la voix de crooner de Neil : la virilité incarnée, pas moins), fourmille de petites idées d’arrangements (“I’ve got a secret” et son intro qui rappelle les productions de Bacharach) d’harmonies (“felicity”) et de production bienvenues.
 
Sur cette sélection de morceaux, la base est clairement Folk mais l’électricité et les influences musicales populaires américaines affleurent en permanence: excellente chose, qui permet d’éviter une ennuyeuse uniformité sonore dont pâtissent, ll faut bien le reconnaître, certains des disques de Fred Neil (Bleeker and Mcdougal) et Folk en général. Cette compilation parfaite évite les écueils en se focalisant sur ce que Neil a produit de plus intéressant (bien plus que les succès genre “Candy man”) et propose une musique épurée sans être austère, aussi splendide que parfaitement désuète et donc absolument charmante. Pas la peine de dire que c’est une réussite et peut être même une découverte: on n’aurait jamais pensé que la discographie du sombre Neil puisse renfermer une telle collection de gêmes. Aucun Biopic ne sera probablement consacré à Fred Neil, pourtant ce disque passe infiniment mieux qu’une compilation de Johnny- Walk the line-Cash: drôle d’époque.
 
pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/fred-neil/the-many-sides-of-fred-neil-300239
 

Album très injustement conspué, One hot minute est une parenthèse atypique et extrêmement intéressante dans la carrière des pistachiers Red Hot. Né après le départ d’un John Frusciante littéralement carbonisé par le succès de Blood sugar sex magic, il est totalement marqué par l’empreinte de son remplaçant, le stellaire Dave Navarro. Les délires funk potaches des débuts sont loin: il fallait bien que jeunesse se passe, et c’est tant mieux car si la fusion bouillonnante et slappée des débuts réserve quelques bons moments, le son daté et une certain vulgarité d’ensemble en sont les évidentes limites.
 

 
L’arrivée de Navarro, un des fils spirituels de Jimmy Page, fait imploser les schémas établis. Avec lui à bord, c’est un nouveau groupe qui naît: les red hot préparent leur Physical Graphiti, ni plus ni moins. Jamais le groupe n’a autant appliqué la leçon ombre/lumière du Zep: en témoigne cette rendition live périlleuse de “Warped”, avec ses breaks foudroyant et sa dynamique nouvelle.

Les cocottes funky et dérouillées de Frusciante sont loin; les guitares de Navarro sont orchestrales, multicouches, assurent des riffs classic-rock copieux là ou Frusciante dégoupillait des plans tout en rythmiques décharnées. L’album est d’une variété folle: pop song radiogénique (“Aeroplane”), ballades réussies (“tearjerker”), douces reminiscences funky (“Walkabout”), brûlots fabuleux (“One big mob”, “Trancending”), bizzareries pures red hot (“Pea”). Poussés dans leurs retranchements par cette association nouvelle et parfois difficile, les Red Hot transcendent leur extraction fusion et passent du statut d’orchestre funk dynamique et polisson à celui de machine de guerre Rock. Le résultat est un mille-feuille assez remarquable, imprévisible, accouché dans la douleur, qui rappelle par certains côtés les grands disques-odyssée du début des 70′s : excitation et sublime plaisir que de ne pas savoir à l’avance ce que l’artiste réserverait à son public…

Comme de bien entendu, ce disque différent fut (et reste) détesté par beaucoup des fans de l’époque qui n’y comprirent rien, et plus ou moins désavoué par le groupe. Il est par contre estimé des observateurs dégagés et lucides quant à la qualité intrinsèque des choses; il faut effectivement avoir les oreilles bien encrassées pour ne pas se rendre compte de ce qui se passe sur cet album-comète d’envergure, assez fulgurant et superbement produit (merci Rick Rubin). La suite serait pure catastrophe, collections de morceaux pop FM parfaitement insipides et interchangeables auxquels les sus-dits fans ne trouveraient cette fois rien à redire: constater l’étendue des dégâts ci dessous avec le calamiteux “by the way”

Plus d’ambition, plus de gouaille, plus de mystère… plus rien. Alors bien sûr, on peut bien sûr trouver risibles ces nouvelles prétentions classic-rock et préférer à jamais la sympathique vacuité de la première période du groupe. Mais en vérité One hot Minute l’enterre complètement d’un point de vue musical: cet accident de parcours classieux, témoignage d’une mutation aussi titanesque qu’éphémère donna quelques mois durant de la consistance à un groupe d’entertainers qui en manquait jusque là cruellement.

On a décidément du mal à comprendre le culte autour de ce groupe. Tout ça va nous attirer des problèmes, mais il faut pourtant le dire: Free, ce groupe mythique, était décidément trop mou. Ok, ces types avaient entre 15 et 17 an à la sortie de leur premier album de 1968. Mais il s’agit de musique et pas d’un concours de précocité: ce qui importe au final est le résultat et ici, il est plutôt laborieux…

Qu’on regarde plutôt ce Fire and water, leur plus gros succès de 1970:Passons sur “Allright now”, tellement entendu qu’on en a perdu toute objectivité. “Fire and water” , le morceau titre, se traîne, pèse sans jamais- c’est un comble- sonner heavy; voir la version live au festival de wight ci-dessous:
 

Même constat pour le paresseux “Mr Big”, et globalement pour l’ensemble de l’album, alors que les ballades “Heavy load” et “Oh i wept” ne touchent quand à elles pas ou plus. La section rythmique de Free, très feutrée, apparaît désormais bien terne et indolente (faute à la production de l’edition remastered, qui entame la dynamique ?). Certains ont pu aimer le jeu sans sustain de Fraser mais il apparaît aujourd’hui des plus décousus et n’apporte pas la colonne vertébrale dont manquent la plupart des compositions. Le combo sonne au final comme du ten years after lesté…

Il n’est malgré tout pas interdit de continuer à apprécier le vibrato de Kossof et de la voix de Rodgers. Mais le temps qui passe est parfois impitoyable avec les souvenirs et les impressions d’époque: Free était à la croisée de pas mal de chemins, et semble rétrospectivement n’avoir jamais su en choisir aucun. On est désormais dans l’obligation de réaliser que ce groupe surcôté, qui n’avait ni le fun, ni le mysticisme, ni la folie de ses concurrents, était un combo malheureusement bien bancal dans les faits.
 
Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/free/fire-and-water-104586
 

On parlait il y a peu de Nirvana; qui dit Cobain dit bien sûr meat Puppets ! Grosse influence du Kurt (même si honnêtement cela ne se ressent pas vraiment) ces originaux ont navigué entre plusieurs eaux pas bien nettes. Le Combo décroche un certain succès en 1994 grâce à l’album Too high to die, porté par le radiogénique “Backwater” et leur prestation sur le Unplugged de Nirvana; cela beaucoup le savaient.
 

Ce que l’on sait moins, c’est que le groupe n’a pas toujours pratiqué ce Rock indie sympathique bien que jamais renversant. Parti d’un hardcore assez imbuvable (premier album Meat Puppets), le groupe est notamment passé par une phase country-punk complètement hallucinée (dès meat puppets 2), très personnelle et bien plus intéressante… C’est cette matière première qui constitue la moelle substantielle de Up on the Sun, peut être l’opus le plus attachants du groupe avec Out my way. Quel régal ! le morceau éponyme pose immédiatement les conditions: guitares miraculeusement claires et acides (quelqu’un a dit byrdsiennes ?), chant stupéfié et impeccablement deglingué… on pense à du Television sauce rurale. Cette ambiance lysergique et spatiale ne quittera pas l’album: décollage sidéral sur “two Rivers” et son echo onirique, Blues stellaire sur “Sea Whales”, black-out en voie lactée pour le ska “buckethead”… Les Meat Puppets expérimentent et planent bien haut, mais cela reste cohérent, construit et étonnamment musical: on est loin des atermoiements du premier album, du temps ou ces farceurs de frères kirkwoord voulaient faire croire qu’ils ne savaient pas jouer.

On reste fasciné par l’application complètement suicidaire du groupe à pratiquer cette musique si courageuse, savamment désincarnée et spéciale au sens anglais du terme. Les fans s’étaient émus du revirement psychédélique et alambiqué du groupe, complètement à contre-courant du clinquant de l’époque: on sent que des disques aussi rayonnants et improbables n’ont pas été soufflés par un quelconque chef de produit, mais correspondent à l’expression d’inspirations pures catalysées par le psychisme bien altéré de Curt Kirkwood… Avec cet album méritoire et réjouissant, les Meat Puppets rappelent que malgré leurs nombreux défaut, les 80′s cachent dans leurs recoins quelques pépites. A noter la compilation Classic Puppets qui revient avec force détails sur cette période bénie du groupe.
 

Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/meat-puppets/up-on-the-sun-360587
 

Unplugged est un album que les fans Hardcore n’aiment pas. La concession faite à MTV, les guitares sèches et le décors en carton-pâte derrière le groupe, on est assez loin de l’éthique Punk chère au groupe. Pourtant, si l’on dépassionne le débat on se rend compte à quel point ce disque est important pour comprendre Cobain. Parti d’un métal mou, traversé d’éclairs mais encore balbutiant (Bleach), Nirvana a décroché la timbale avec l’équilibre pop de Nevermind et intrigué avec In utero, sombre et inégal. Le succès et l’emballement médiatique pour l’imagerie Grunge ont fait du trio le groupe d’un époque; passée la Hype, que reste-t-il ? Beaucoup d’images, finalement peu de son et deux constats:

1°Cobain avait un certain talent pour la chanson catchy.
2°Son oeuvre était plus complexe que l’on voulait bien le croire, partagée entre la violence désabusée et une facette plus introspective, lancinante et attachante que cet Unplugged illustre mieux que tout autre album.

Ici quasiment dépourvues d’électricité, les guitares ne bavent plus mais fouillent les tréfonds d’une âme, permettant d’entendre des originaux aux structures aérées et des choix de reprises personnels et splendides. Cobain en profite: sa voix s’ébroue, nuance et rayonne dans l’espace nouvellement libéré: l’atout numéro 1 de ce disque, et probablement du groupe avec les compositions, comme on le comprend à l’écoute de ce disque… A ce propos, on a beaucoup parlé du procédé musical phare de Cobain, piqué aux Pixies: des couplets apaisés et des refrains enervés (“rape me”, “smells like teen spirits”). Eh bien tous les morceaux figurant ici fonctionnent sans cette astuce d’interprétation, habituellement largement assurée par les guitares: la qualité d’écriture avant tout… L’exercice au global est à peine barbant: un petit exploit pour un Unplugged (cf le Clapton). Plusieurs classiques sont là (“Come as you are”, “Polly”…); mis à nu, c’est l’occasion de (re)constater les qualités d’écriture de cobain, alors que leur interprétation, parfois très proche des originaux (“dumb”) n’amène rien ou pas grand chose. L’intérêt véritable est certainement dans les reprises. On sait qu’en la matière Cobain avait des choix sûrs: ici l’on redécouvre une triplette de morceaux fabuleux des Meat Puppets (“Plateau”, “lake of fire” et “Oh me” (voir ci-dessous), absolument transfigurées par les passage à l’acoustique) un morceau de Leadbelly (Where did you sleep last night”) et surtout le très beau “the man who sold the world” de Bowie.

Certains ont objecté et objecteront quant à la légitimité de la démarche: du Nirvana Soft, taillé pour plaire à MTV, donc à tout le monde: inacceptable par principe. Pour ceux-la, on ne peut rien. Mais qu’il soit permis d’apprécier ce Unplugged pour ce qu’il est: une parenthèse instructive, témoin d’un visage du groupe tout-à-fait intéressant: dépouillé et intime, mettant en valeur les indéniables qualités de songwriting de cobain et sa voix granuleuse dans un esprit rappelant Neil Young (autre grande influence). Alors que le style Noisy de Nirvana n’a jamais été aussi loin, Cobain nous livre son album le plus personnel !

http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/unplugged%20nirvana
 

Attention ovni… Auteur étonnant et peut-être même génial, producteur (cela s’entend) et multi-intrumentiste, Rundgren est à part. Son oeuvre, multi-directionnelle, parfois brillante, est également déconcertante. Something/Anything n’échappe pas à cette règle: sorte de mélange acidulé et fusant de Beach boys et de Zappa sous influence soul, l’album vire régulièrement au n’importe-quoi surproduit (“breathless”), bavard au propre (“Intro”) comme au figuré (“little red lights”), et penche régulièrement vers la caricature de ballade déconcertante (“Torch Song”, ou “one more day”). Mais lorsque la mayonnaise prend, cela peut devenir monstrueux comme sur les premiers titres (“I saw the light,” et la très belle “Cold morning light”… en gros ce qui correspondait à la première face vinyle).

Alors bien sûr, sur le papier cela fait un peu léger, mais tout de même: avoir écrit ces morceaux, au charme bien particulier et à priori sans équivalent, ce n’est pas rien; Todd Rundgren est très fort. A noter que cet album est certainement plus abordable que le pachydermique A wizard/a true star; ce dernier est souvent présenté comme son chef-d’oeuvre, pourtant Something/Anything n’a absolument rien à lui envier, bien au contraire !

A découvrir pour les curieux http://www.deezer.com/fr/#music/todd-rundgren/something-anything-86497

“Pretenders”: voilà un disque dont il faut reparler. La fabuleuse énergie post-punk combinée à une écriture soignée, les vocaux de la belle noiseuse Chrissie Hynde: les années n’ont altéré ni la pertinence ni le plaisir procuré par ce premier essai, sur lequel le combo avait quasiment tout bon. Le décrassage de “The phone Call” et son tempo vicieux, le monstreux “space invader”, le calibrage parfait de “stop your sobbing” (reprise des Kinks) ou de “Brass in a Pocket” l’illustrent: c’est de l’excellent ouvrage, de la power-pop pleine d’à-propos. Le live du sautillant “Up the neck” (ci-dessous) permet d’apprécier l’efficacité live du combo:
 

La force du premier album est ici bien résumée: un son homogène mais des morceaux variés, accessibles sans être raccoleurs, qui n’oublient jamais d’incorporer la petite idée (reprise inspirée, rythmique retorse) qui fait la différence. Rien ici n’est fondamental, mais plutôt d’une très noble superficialité, et le résultat est parfaitement jubilatoire. On est bien loin de la période FM du groupe (le mou “I’ll stand by you”, “middle of the road” etc …) qui est malheureusement la seule chose que beaucoup connaissent des Pretenders. A ceux-là on recommande vivement l’écoute de ce premier opus, autrement plus excitant.

Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/pretenders/pretenders-expanded-remastered-91684
 

Disque quasiment inattaquable, Electric ladyland est le 3ème et dernier vrai album studio de l’Experience. Largement considéré comme un chef-d’oeuvre du psychédélisme, régulièrement classé dans les meilleur albums Rock, ce double album est pourtant très rude à la réécoute, ce que les classements précités oublient de préciser. Bien sûr, l’album contient le sacro-saint “Voodoo Chile”, et d’autres morceaux de bonne tenue (“Gipsy Eyes”, “Little miss Strange”), mais que tout cela est long, chargé et ampoulé ! Des effets dans tous les sens, plus ou peu de chansons mais des morceaux étirés et pyrotechniques, des jams limites… Alors, surestimé cet Electric ladyland ?

Evidemment, en 1968, cette loghorée psychédélique était en phase avec les attentes d’un public en quête de sensations soniques et de nouvelles expériences. Mais en 2011, on a récupéré sa lucidité et son esprit critique: si le gaucher, encouragé par Kramer dans ses excès avait su se brider, de pénibles brouets auraient peut-être pu se transformer en merveilles concises (“1983″ et ses 13 minutes…) et des morceaux, disons, facultatifs auraient pu être évités (“rainy day, dream away”, “still raining, still dreaming”, qui correspondaient apparemment aux nouvelles orientations musicales d’Hendrix…). Qu’on ne se méprenne pas: psychédélisme n’implique pas forcément délayage, le fabuleux premier album de l’Experience étant à cet égard un bon exemple de concision pop. Et si le répertoire de fin de carrière d’Henrix, qui laisse de plus en plus de place aux expérimentations studio et soli filandreux n’empêche pas certains morceaux de tenir la route, il faut reconnaître que c’est lorsqu’il fuit les artifices que sa classe irradie:

“the wind cries mary”(version live à Monterrey ci-dessous) l’illustre à merveille, mais penser aussi à des morceaux comme “Little Wing”, “Wait until tomorrow”, dépouillés et superbement écrits: ils sont de ceux que l’on n’oublie jamais… et c’est exactement ce qui manque à Electric Ladyland.

Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/the-jimi-hendrix-experience
 

Led Zeppelin 3…encore un album qui a fait couler de l’encre, et pas forcément en bien: après la déflagration du Led Zep 1 puis le bombardement marron du fameux deuxième album, beaucoup boudèrent ce troisième opus. Quelle injustice ! Plus clairsemé que les précédents, affirmant la facette acoustique du groupe, il fait pourtant partie des disques du Zep que l’on redécouvre avec le plus de plaisir.

Alors effectivement que les classiques métalliques et tout en nerfs du groupe ont pris, les années passant, du plomb dans l’aile, ce disque donne à écouter un Zep des plus fréquentables, qui a ressorti les guitares sèches, son plus bel atout face à sa concurrence sidérurgiste. Il règne sur led Zeppelin 3 une ambiance différente des précédents: enfin le groupe lâche un peu le pied, s’attache aux contrastes et soigne les changements d’ambiances. Les pilonnages purs et durs sont toujours là: “Out on the tiles” (sert d’intro à Black dog en concert), le crispant “celebration day”, mais ils côtoient des morceaux délicieux comme, bien sûr l’imparable “since I’ve been loving you” (live de 1973 ci-dessous)

L’album inclus aussi les bucoliques “Gallows Pole”, “Tangerine”, “that’s the way” et sa steel-guitar aquatique…le climat global est apaisé, presque champêtre, et qu’importe si les influences Folk de Page sont ici carrément plaquées: cette juxtaposition de morceaux musclés et de grattouillages laid-back assumés, c’est exactement ce qu’on finit par préférer avec le temps. Le public de l’époque, complètement polarisé sur la débauche d’énergie et les classiques heavy un peu nigauds du groupe ne s’identifia pas à ce Led Zep là. C’est pourtant celui qui volait le plus haut.

Pour découvrir: http://www.jiwa.fr/#album/6344

Back in Black est paru en 1980, après le décès de l’emblématique Bon Scott: énorme succès pour ce disque qui vit le groupe passer un cap muscial (toute proportions gardées comme toujours avec AC/DC), mais surtout populaire avec 50 millions de ventes.

“Fort bien, dans ce cas ces types n’ont pas besoin de moi”, nous dit-on, “et pourquoi en parler ici ?”

Stop ! Avec AC/DC les choses sont moins simples qu’il n’y paraît… Groupe à fort capital sympathie, loué de façon indéfectible pour ses prestations live, AC/DC entretient une relation discographique particulière avec les amateurs de Rock en général. Ceux-ci ont rapidement tendance à penser que tous les albums d’AC/DC se suivent et se ressemblent, et délaissent ce groupe qui a souvent bercé leurs tendres années pour se tourner vers d’autres éventuellement plus sophistiqués. Mais tôt ou tard, chacun y revient pour essayer de perçer le secret de la jouissance unique et un peu coupable que ce groupe procure malgré ses évidentes limites, une denrée beaucoup plus rare qu’escomptée…

Le réflexe peut se concevoir au vu de la discographie effectivement très linéaire du groupe; mais dans le cas de l’album Back in Black, il s’agit d’une petite injustice que nous souhaitons dénoncer…

Avec ce disque, AC/DC tranche avec la première période du groupe et propose quelque chose de (relativement) neuf. Taxé un peu rapidement de hard, AC/DC pratiquait en réalité le temps d’un début de carrière tonitruant un Rock n’ roll / boogie excitant, rêche,têtu, et redondant. Voir cet extrait de l’explosif Riff Raff live:

Highway to Hell reposait toujours sur cette recette, mais gagnait une production grand public (comprendre une production) avec l’arrivée de John Mutt Lange aux manettes qui lui entrouvrit les portes du succès populaire. C’est pourtant bien Back in Black qui va réellement marquer l’évolution du groupe et mettre le feu aux poudres: prolongeant avec ce même producteur, le groupe engouffre son Blues dans la construction Pop, aérant des guitares devenues rutilantes, développant enfin la mélodie, injectant breaks et nuances dans sa mixture sans pour autant perdre ses sonorités heavy. Résultat: une musique pleine, qui perd en rugosité ce qu’elle gagne en variété et démontre que le groupe peut s’extraire de la citation Rock n’ Roll permanente pour véritablement écrire des morceaux. L’album, particulièrement excitant, inclus les archi-connus “Back in Black”, “Hells Bells” , embarque les mélodiques “let me put my love into you” et “you shook me all night long”, ainsi que le bluesy “Rock’n Roll ain’t noise pollution” et “shoot to thrill” et son fameux break (extrait live de 1983 ci-dessous):

Pour certains, Back in Black, disque lissé et sacrifié sur l’autel de la pop, fut l’album de la compromission. Affaire de subjectivité que tout cela, sachant qu’avec un groupe aux limites aussi assumées qu’AC/DC ces débats n’ont que très peu d’importance: le combo n’a de fait jamais vraiment remis en cause ses fondamentaux. Le groupe a d’ailleurs eu l’intelligence de ne pas se poser autant de questions au moment de livrer cet album qui est probablement son plus abouti. La suite donnerait raison en revanche aux détracteurs: en crise d’identité face à une concurrence métal nouvelle, à laquelle il est plus ou moins associé, AC/DC essaiera maladroitement de durcir le ton au gré de disques ratés et se perdra complètement dans le gigantisme des années 80 sans jamais retrouver l’équilibre que cristallise ce Back in Black.

Serpico, polar adapté du livre de Peter Maas, est un des grands rôles d’Al Pacino au cinéma. Pourquoi vous en parle-t-on ici ? Parce qu’en plus d’être un film jouissif, Serpico offre une superbe BO dirigée par Mikis Theodorakis, qui fait pour beaucoup du charme du film. S’y mèlent cuivres jazz délicats (“Alone in the appartment”), influences traditionnelles grecques (“theme from Serpico”), et grooves typiques des années Shaft, pour un résultat assez frais et original; on pense au travail de Bernard Hermann sur la BO de Taxi Driver (Scorcese), influences hellènes en plus.

Le résultat, très inspiré et particulièrement réussi notamment sur les 5 premiers morceaux, est éminemment sympathique et mérite amplement qu’on y jette une oreille.

Pour découvrir http://www.deezer.com/fr/#music/mikis-theodorakis/serpico-189146

Big Star est le groupe d’Alex Chilton, chanteur prodige disparu en Mars dernier après une carrière aussi hiératique qu’exceptionnelle. Alors que s’installe le pernicieux Automne, l’heure semble choisie pour se plonger/replonger dans l’oeuvre magistrale de ce groupe attachant, comme on renfilerait un bon vieux pull usé, à la recherche d’un confort rustique mais parfaitement revigorant…

L’homme de “The letter” (16 ans lorsqu’il chante sur ce morceau avec les Box tops !!!) a publié trois albums avec Big Star, chacun parfaitement recommandable et ayant son charme propre. C’est N°1 record qui a ici la préférence, excellent premier disque du combo annonçant le registre; power pop en guitares raclées sur fond d’arpèges acoustiques, ballades délicates, et surtour le chant si touchant de Chilton, qui semble porter toute la mélancolie du monde… Ecouter pour s’en convaincre l’incroyable “Thirteen”

Le temps d’un chef-d’oeuvre dépouillé et beau à pleurer, Chilton nous dépeint une certaine jeunesse Américaine, entre oisiveté et innocence, et retranscrit fabuleusement les tensions de l’adolescence…

Très acoustique, l’album baigne en permanence dans une lumière ambigue, les guitares rayonnent en giclées sauvages, mais la nostalgie empreint quasiment chaque piste… Outre “Thirteen”, la plupart des morceaux sont splendides. On retiendra les explosions rageuses “don’t lie to me” et “Feel”, qui pose très concrètement les bases de ce que sera la power pop de The Knack avec ses choeurs à l’unisson, mais c’est l’incroyable “give me another chance” (peut-être un des plus beaux morceaux jamais enregistrés) qui marquera à jamais l’auditeur.

La suite sera encore plus hargneuse (Radio City), puis desespérée (Third/love sisters, enregistré quasiment solo par Chilton). Commercialement insignifiant de son existence, Big Star a fortement influencé la scène Indie Américaine des années 80, rattrapé par un culte underground assez incroyable animé par des groupes comme Teenage fan club, R.E.M et Replacements (qui ira jusqu’à carrément nommer un de ses morceaux “Alex Chilton”); des références de qualité, raison supplémentaire s’il en fallait pour se tourner impérativement vers l’oeuvre matricielle de la Grande Etoile.

Pour découvrir: http://www.deezer.com/fr/#music/big-star/-1-record-400724

Un billet rapide sur le groupe The Moving Sidewalks… parce qu’y figure un Billy Gibbons pré-ZZ top et qu’Hendrix les adorait, on parle pas mal de ces sympathiques garçons. Votre serviteur dévoué n’a pu réellement juger de la qualité d’ensemble de l’unique album du combo: mais les trois extraits disponibles sur deezer, bien que sympathiques, ne sont pas apparus renversants. Blues très psychédélique, touffu et chargé d’effets, à rapprocher peut-être du travail d’Hendrix sur “Axis-bold as love” l’orgue en plus; pas de quoi se relever la nuit semble-t-il, voir ci-dessous le hit du groupe “99th floor”, qui fait penser aux Kinks.

Qu’en pensent ceux qui ont écouté l’ensemble de l’album ?

A vous entendre !

Album fort d’une génération, “Who’s next”, paru en 1971, achevait la mutation des Who. Groupe protéiforme, parti d’un R&B détonnant, s’étant essayé de façon profitable à l’Opéra Rock (“Tommy” en 1968), le groupe voit son public s’élargir au moment ou il délaisse son imagerie mod et son R&B de club pour accumuler les prestations musclées devant des foules de plus en plus nombreuses: Woodstock en 1969, Wight en 1970… l’incroyable reprise de “summertime blues” qui suit, tirée du premier, permet d’apprécier la puissance de feu incroyable du groupe à la fin des années 60:

“Who’s Next” prolonge d’une certain façon la démarche, en proposant une musique clairement Rock, simplifiée et taillée pour le succès; les harmonies vocales élaborées et les constructions élégantes des débuts sont déjà bien loin. Evidemment, cet album déchire les fans des Who; certains ont découvert le groupe avec, ont été séduits par sa puissance et sa violence glacée (la production de Glyn Johns). Les autres, les fans de la première heure, déplorent le changement de style, perçu comme une regression artistique. Aujourd’hui, la question taraude: que faut-il donc en penser, de ce fameux disque ?

Prétendre que Who’s next est un grand album malgré l’opportunisme évident de la démarche artistique des who à la fin des 60′s, et malgré effectivement la perte d’un certain charme des débuts, c’est s’attirer les foudres de beaucoup de fans du groupe. Mais, si on y réfléchit un peu, que pouvaient-ils attendre de leur groupe favori, ces valeureux fans ? Les Who, comme beaucoup d’autres, ne créaient pas la musique de leur époque : ils la jouaient; autrement dit ils suivaient, plutôt de belle façon, le vent musical. Ce qui s’est produit lorsque le groupe a opté pour un R&B sauvage et une imagerie Mod dans l’ère du temps, et ce qui s’est produit à partir de 1968 au moment ou Townsend s’est vu en Guitar Hero, alors même que ceux-ci devenaient des figures centrales du Rock. L’immobilisme étant en matière de pop-music la mort quasi-annoncée, les Who ont, au moment de concevoir Who’s next, cherché à s’adapter comme ils l’ont toujours fait.

Et puis, imaginait-on de toute façon le groupe, plus de 6 ans après sa création, stagner et répéter à l’envi son axiome Mod?

Une fois que l’on a pleinement réalisé le caractère à la fois logique et inévitable de cette mutation, on est à même d’aborder Who’s next dans le bon état d’esprit en se concentrant sur ce qui importe vraiment: la musique. Et celle-ci est au rendez-vous quoiqu’on en dise: le disque, parfois un peu maladroit, abrite de grands moments. Alors qu’il était prévu qu’il soit double et concept album, Who’s Next, amputé dans les grandes largeurs, se tient, encadré par les puissants et fédérateurs “Baba O’Riley” ou bien sur “Won’t get fooled again” dont l’extrait ci-dessous permet de visionner une version particulièrement intense.

La production glacée, presque minérale donne un son épique à ces morceaux. On a beaucoup reproché au groupe l’utilisation indélicate de synthétiseurs; pourtant ceux-ci sont exploités de façon plutôt intelligente (sauf éventuellement “going mobile”), essentiellement en boucle, pour leur texture et leur effet hypnotique; ils ne portent pas les morceaux et c’est parfait. Au delà des morceaux pré-cités, ce sont peut-être les titres de milieu d’album que l’on réécoute avec le plus de plaisir: “Getting in tune” et ses belles harmonies vocales, le sauvage “bargain” et l’acoustique “love ain’t for keeping”, qui nous rappellent que Townsend restera comme un des rythmiciens les plus dynamiques du Rock, propulsé par le jeu frappadingue d’un Keith Moon très en vue sur l’album.

Pour découvrir http://www.deezer.com/fr/#music/the-who/who-s-next-213021

Une fois n’est pas coutume, nous parlons ici d’un petit chef d’oeuvre paru à la fin des années 80. Le premier essai des Stone Roses, paru en 1989, est colossal. La formation étaient probablement de toute la scène baggy la meilleure car la seule ayant réussi à faire groover le rock hallucinogène de l’époque: chansons variées et dansantes, production millésimée mais sous contrôle (évitant donc soigneusement la surenchère 80’s, batteries pachydermiques et synthétiseurs périmés), ce coup d’essai était un coup de maître. La guitare de John Squire évoque un Hendrix sevré de groove, funky et psyché: elle effleure le jazz (“shoot you down”), rentre en collision sur “I wanna be adored”, compose de stupéfiants questions-réponses sur l’hymne “I am the resurrection”, portée par une rythmique à la fois souple et tendue, sublimée par de splendides harmonies vocales (“Waterfall”) pour un ensemble évoquant quelque chose comme des beach boys groovy, pas moins… et quel travail d’écriture, quelle créativité !

La suite serait moins fameuse… le groupe accumulerait les prestation approximations live avec une régularité jamais prise à défaut:

La parution de leur second album de « The Second Coming », accouché dans la douleur, et durement accueilli, précipiterait la dégringolade de ce groupe. Aujourd’hui, on s’interroge: le groupe avait-il le potentiel pour dépasser ce premier opus solaire ? Pas forcément, “Stone Roses” évoquant plutôt un groupe en sur-régime créatif… il n’en reste pas moins une incroyable collection de chansons radieuses, inventives et dansantes, que l’amateur devra absolument écouter. Au lecteur qui ne connaîtrait pas encore ce groupe: rue-toi sur ce disque, il te rendra heureux !

Pour découvrir:

http://www.deezer.com/fr/#music/the-stone-roses/stone-roses-78880

Il faut l’avouer: à l’évocation de ce groupe, ce ne sont pas forcément d’excellents souvenirs qui reviennent. Une musique mainstream du milieu des année 80, grandiloquente et aseptisée, taillée pour les stades, la FM et MTV: en un mot américaine. L’illustration parfaite est le boursouflé “Brother in Arms”, empêtré dans sa production clinquante et son discours naïf (“Money for Nothing”, qui voit le groupe critiquer la clique MTV alors que ses clips y sont en rotation lourde…hem).

Il n’en a pourtant pas toujours été ainsi: avant d’être régulièrement confondu avec Chris Rea, Dire straits fut le temps d’un début de carrière épatant un groupe frais, modeste, et assez charmant, ce qu’illustre parfaitement son premier album éponyme. Publié en 1978 “Dire Straits” prit totalement à contre-courant la scène de l’époque; alors que le punk résonnait encore, que les 80′s synthétiques s’annoncaient, le groupe publiait un premier album résolument laid-back (influences country / swamp music), tempos légers, production joliment étouffée, proposant des morceaux sans prétention, aériens, clairs et absolument revigorants. “Sultan of swing”, morceau phare de ce disque a été diffusé sur les FM ad nauseam, on conseillera plutôt aux curieux de s’attacher aux perles que sont “Water of love” et son dobro, la rocailleuse “Six Blade Knife”, “Lions” et son finish hypnotique. L’ensemble de l’album reste tout-à-fait fréquentable, porté par un Mark Knopfler dont le grand public découvrait le jeu en picking mélodique, les sonorités douces et classieuses, largement influencées notament par Chet Atkins et JJ Cale (voir la similitude entre le riff d’ouverture de single-handed sailor”, album Communique http://www.deezer.com/fr/#music/dire-straits/dire-straits-communique-226297″ et “canjun moon” de JJ Cale http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/jj%20cale.

“Communique” et “Making Movies”, les deux albums suivants, prolongeraient naturellement ce premier effort avec plus ou moins de bonheur, conservant un son et un style relativement homogènes malgré des constructions de morceaux de plus en plus ambitieuses et théâtrales (“Romeo & Juliet”) annonçant la “stadification” du groupe concrétisée par la sortie de l’album “Love over Gold”; pour certains- dont l’auteur de ces lignes, ce dernier marque la fin d’une période bénie pour le groupe. Pour s’en persuader, les amateurs comme les curieux devront impérativement s’atarder sur cette vidéo de l’exceptionnel Rockpalast de 1979

Le groupe est alors à son sommet, jouant une musique simple mais pas simpliste, vivante et fine dans une ambiance Pub qui sied parfaitement à l’identité du groupe et sa musique d’alors.

pour découvrir album “Dire straits” http://www.deezer.com/fr/#music/dire-straits/dire-straits-226069

Quelques lignes pour revenir sur “Adventure” deuxième album de Television. A sa sortie le disque fut largement décrié par les fans et la critique, qui ne retrouvaient pas l’énergie garage du premier opus “Marquee Moon”. En réalité “Adventure” est au moins aussi intéressant que ce son prédecesseur, bien que fort différent. Ces deux disques ont été conçus dans une dynamique totalement différente; Marquee moon -enregistré en un temps record- était un instantané des prestations live du groupe, les morceaux aux allures de jams reposaient sur quelques riffs et faisaient la part belle aux longues- et parfois fatiguantes, il faut bien le dire, à la réécoute- digressions du duo Lloyd-Verlaine. “Adventure” est, lui le résultat d’un véritable travail d’écriture soutenu par une production subtile: aux jams se substituent enfin de vraies chansons. Et pour quel résultat…

L’album contient au moins deux titres d’exception («days» et «dreams’ dream» pour ne pas les nommer), sensibles et beaux à pleurer, qui enterrent sans problème l’intégralité de marquee moon («prove it» excepté). Les guitares canalisées servent ici des constructions sans failles, les entrelacs quasi géométriques de Lloyd et Verlaine s’intègrent magnifiquement dans des morceaux aux ambitions mélodiques nouvelles, sans sacrifier à la concision pop… on pourrait parler longtemps du splendide duo que formaient les deux guitaristes et de leurs magnifiques sonorités, claires, droites, avec notamment un étonnant vibrato main droite pour le dernier. Après, l’intérêt se relâche quelque peu, et on peut trouver qu’à quelques exceptions près (le très rock ‘glory’ et la sensible ‘carried away’) les titres manquent d’inspiration et n’ont pas toujours l’allant des précédents. Mais au moins sur les deux premiers titres mentionnés, Television tutoie le divin.

On l’a compris, le disque est inégal mais les sommets qu’il atteint font de son écoute quelque chose d’indispensable. Il n’est d’ailleurs pas interdit de préférer cet opus réellement attachant à “Marquee Moon”, album séminal, intouchable et finalement un peu agaçant. La suite serait moins flatteuse, le groupe s’embarquant dans une réformation aboutissant sur l’album Television en 1992: exit le minimalisme de bon goût des débuts, la production se fait plus envahissante et ce globalement au détriment de l’inspiration (hormis peut-être sur “1880 or so”).

Pour découvrir:
http://www.deezer.com/fr/#music/television/television-301312

Quelques mots pour parler d’un guitariste des plus sous-estimés. L’homme a produit au gré d’albums parfois inégaux un blues-rock mâtiné de country de facture assez classique, sublimé par un jeu de guitare captivant. Au néophyte, s’il ne fallait écouter qu’un morceau, on conseille cette vidéo de Sweet Dreams:

Le style pionnier du “Best Unknown Guitarist In The World” y est parfaitement résumé; son de guitare (très) aigu et tranchant de Telecaster noyé dans l’écho, usage ultra fréquent des harmoniques pincées et du potentiomètre pour gommer l’attaque des notes et émuler des sonorités violonistiques (violoning), bending country inspiré des lap-steel. Des techniques qui seraient démocratisées par la suite, mais que Roy Buchanan a absorbées très tôt et qui confèrent un véritable attrait instrumental à sa musique. Il faut impérativement se replonger dans le contexte de l’époque pour se rendre compte de l’avance incroyable dont le technicien disposait par rapport à la concurrence… ses idées ne tombèrent pas dans l’oreille d’un sourd, voir cet extrait du sublime “cause we’ve ended as lovers” de l’ami Jeff Beck.

La similitude entre les deux jeux (renforcée par l’écoute du morceau en version intégrale, qui inclut un passage en legato sur une corde ne figurant pas sur la vidéo) est troublante et en dit long sur l’influence de Roy; on peut choisir de voir ça comme un hommage…

A vrai dire, l’œuvre de Roy Buchanan n’est dans son ensemble pas bouleversante musicalement parlante. Une écoute prolongée indique rapidement les faiblesses de son style; répétitif comme peut rapidement l’être le blues-rock, s’appuyant sur des arrangements et une production flirtant parfois franchement avec le mauvais goût notamment dans les 80′s (basses slappées, orgue bavard…); l’anthologie qui lui est consacrée doit donc suffire à moins d’être un fan complétiste de blues rock. Mais son travail est réellement digne d’intérêt pour ceux que le genre intéresse, l’homme ayant signé quelques belles parties de guitare et surtout amené au blues rock un style inédit, porté par un son d’orfèvre, clair, agressif bien que quasiment dénué de distorsion-en un mot original. Cela peut paraître mince, pourtant dans un genre de musique aussi balisé et uniforme que le blues rock, peu de musiciens peuvent se prévaloir d’un apport aussi significatif. L’exposition médiatique réduite et le succès commercial “condidentiel” de Roy Buchanan en font un des grands oubliés de la cause blues-rock, un perdant magnifique dont l’œuvre vaut pourtant le détour.

pour découvrir:
http://www.deezer.com/fr/#music/result/all/roy%20buchanan

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Un mot sur ce blog “émancipé”: on y parle de musique, classic-rock essentiellement, et ce de façon très libre, tout-à-fait subjective, partiale, en un mot: mâture. Parce que son auteur a déjà choisi son camp musical, il ne cherchera à convaincre personne mais plutôt à partager des impressions, ouvrir des espaces de réflexion, quitte à être un peu provocateur. La ligne conductrice : proposer des angles nouveaux aux sujets rebattus mille fois sur le net: réhabilitation d’albums peu connus ou mal-aimés, réexamen sans concession de disques surestimés ou faisant débat, présentation d’albums atypiques…

Le contenu de ces pages s’adresse aux passionnés libérés ayant fait le tour des sites généralistes: ceux qui souhaitent prendre du recul par rapport à la Doxa du rock et penser par eux-même, ceux que les débats à contre-pied et la remise en cause empreints d’un léger mauvais esprit n’effraient pas !

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